Formale Struktur des Zyklus
Der Werkzyklus #Kunstzertifikat (2022) von Christopherus Steindor umfasst eine Serie digitaler Bildarbeiten, die formal durch eine serielle Dreiteilung gekennzeichnet sind. Jedes Werk besteht aus einem oberen und unteren Bildfeld sowie einem zentralen weißen Balken mit Text in neutraler Druckschrift. Der untere Rand trägt den Hashtag #Kunstzertifikat, der zugleich als Titel, Rahmung und konzeptuelles Leitmotiv fungiert.
Die Werke greifen inhaltlich wie visuell auf die Ästhetik öffentlicher Warnhinweise zurück, insbesondere auf die typografische Sprache von Gesundheits- und Sicherheitsetiketten. Diese formale Struktur verleiht den Bildern eine anonyme, autoritative Erscheinung, die an staatliche oder institutionelle Informationsmedien erinnert. Die Einbindung reproduzierter oder verfremdeter Kunstwerke und Fotografien im oberen und unteren Bereich erzeugt eine Spannung zwischen individuellem Ausdruck und normativer Kontrolle.
Steindor verwendet in allen Varianten dieselbe typografische Mitte, um den Eindruck einer administrativen Serie zu verstärken. Der Zyklus steht damit in der Tradition konzeptueller Appropriation Art und zugleich in der Nähe einer medienkritischen Dokumentation.
Semantische und thematische Leitmotive
Inhaltlich kreist der Zyklus um das Verhältnis von Kunst, Gefahr und Gesellschaft. Die sprachliche Struktur der zentralen Sätze („Kunst kann…“, „Art can…“, „Wer Kunst aufgibt…“) lehnt sich an Warnhinweise auf Zigarettenpackungen an. Damit überträgt Steindor den Diskurs öffentlicher Gesundheitsaufklärung auf den Kunstkontext. Kunst wird metaphorisch als suchterzeugende, krankmachende oder tödliche Substanz behandelt.
Diese Übertragung erzeugt einen ironischen, aber präzisen Kommentar zur gesellschaftlichen Wahrnehmung von Kunst im 21. Jahrhundert. Steindor thematisiert den Prozess, in dem Kunst zugleich überhöht, überwacht und pathologisiert wird. Die wiederkehrenden Begriffe „Abhängigkeit“, „Krankheit“, „Tod“ oder „Blindheit“ verweisen auf eine doppelte Lesart: Sie kritisieren die Entwertung ästhetischer Erfahrung durch institutionelle Rationalisierung und verweisen zugleich auf die existenzielle Dimension künstlerischer Tätigkeit.
Im Hintergrund steht eine Umkehrung der romantischen Künstlerfigur. Steindor inszeniert den Künstler nicht als heroischen Schöpfer, sondern als Objekt gesellschaftlicher Diagnosen. Kunst wird nicht mehr als Heilmittel verstanden, sondern als potenzielles Risiko, das von Institutionen, Medien und sozialen Plattformen reguliert werden muss.
Einzelanalysen
Art can lead to a slow and painful death (2022)
Das Werk zeigt eine rauchende Person in Nahaufnahme. Der Text im Mittelteil transformiert den gesundheitlichen Warnhinweis auf Tabakprodukten in eine Aussage über Kunst. Die Kombination aus Intimität, Selbstzerstörung und Ironie verweist auf die romantische Vorstellung des leidenden Künstlers, die hier in bürokratische Sprache überführt wird. Steindor schafft so eine doppelbödige Kritik: Die Kunst als Lebensinhalt wird zugleich pathologisiert und banalisiert.
Art can cause abuse and rape (2022)
Dieses Werk verwendet ein Fragment aus Sandro Botticellis Geburt der Venus. Die schwarzen Balken über den Figuren anonymisieren das Original und transformieren es in eine Bildmetapher für institutionelle Zensur. Die Warnformel im Zentrum verschiebt die Perspektive vom ästhetischen Objekt zum moralischen Verdacht. Kunst erscheint hier als Ort potenzieller Grenzüberschreitung, deren Deutung zunehmend juristisch, nicht mehr ästhetisch erfolgt.
Art can turn you into a machine (2022)
In dieser Variante kombiniert Steindor eine Collage aus einem LKW-Fahrerporträt mit maschinellen Elementen und der Aufschrift „Double Gulp“. Der Satz „Art can turn you into a machine“ verweist auf die Mechanisierung des künstlerischen Selbst in einer digitalisierten Kultur. Das Werk spielt zugleich auf den Kunstkritiker Jerry Saltz an, der unter dem Pseudonym Terry Pepperz ein ähnliches Selbstporträt geschaffen hat. Steindor reflektiert damit die Gefahr, dass Künstler und Kritiker durch mediale Reproduktion zu Markenprodukten werden.
Kunst macht sehr schnell abhängig (2022)
Das Werk zeigt in Schwarz-Weiß eine Szene an einem Tisch, die in ihrer Komposition an dokumentarische Aufnahmen erinnert. Der Text verweist auf den Suchtcharakter künstlerischer Tätigkeit, während die Fotografie ein alltägliches, beinahe banales Umfeld zeigt. Steindor thematisiert hier das Spannungsfeld zwischen Kunst als sozialem Ritual und Kunst als individueller Fixierung.
Kunst erhöht das Risiko zu erblinden (2022)
Die Montage kontrastiert eine zeitgenössische Szene im Supermarkt mit Michelangelos Fresko aus der Sixtinischen Kapelle. Die ironische Warnung vor Erblindung bezieht sich sowohl auf physische Überreizung als auch auf die metaphorische Blindheit der Kunstbetrachter. Steindor reflektiert hier die Überforderung der Wahrnehmung im Zeitalter der Bilderflut und stellt Kunst als visuelle Gefahr dar.
Kunst kann zu Farbenblindheit führen (2022)
Diese minimalistische Arbeit besteht ausschließlich aus farblich abgestuften Flächen in Magenta und Purpur. Der Text im Zentrum wirkt in seiner Nüchternheit paradox, da das Werk selbst aus Farbe besteht. Steindor untersucht hier das Verhältnis von Wahrnehmung und Verlust, von Sinnlichkeit und Abstumpfung. Die Arbeit markiert innerhalb des Zyklus einen Übergang vom figurativen zum konzeptuellen Ausdruck.
Those who give up art reduce the risk of fatal illness (NetzDG-Version) (2022)
Diese Version integriert einen offiziellen Benachrichtigungstext von Twitter nach dem Netzwerkdurchsetzungsgesetz (NetzDG). Die Verbindung von juristischer Sprache und künstlerischer Ironie führt zu einer präzisen Kritik an digitaler Zensur. Die Arbeit thematisiert die Überschneidung von Kunst, Recht und Algorithmus und macht sichtbar, wie ästhetische Kommunikation in automatisierte Systeme überführt wird.
Wer Kunst aufgibt, verringert das Risiko tödlicher Erkrankungen (2022)
Die deutschsprachige Version kombiniert Steindors Warnformel mit einem Ausschnitt aus einer handschriftlichen Arbeit von Jonathan Meese. Durch diese Verbindung entsteht ein Diskurs zwischen avantgardistischer Subjektivität und institutioneller Rationalisierung. Während Meese Kunst als absolute Lebensform versteht, verwandelt Steindor dieselbe Geste in eine bürokratische Empfehlung.
Theoretische Einordnung
Steindors Zyklus lässt sich im Spannungsfeld zwischen Foucaults Machtanalytik, Bourdieus Theorie des kulturellen Feldes und Adornos Ästhetik verorten.
Foucaults (1977) Konzept der „Disziplinargesellschaft“ beschreibt die Transformation von individueller Praxis in regulierte Verfahren. Steindors #Kunstzertifikat visualisiert diesen Prozess: Kunst wird nicht mehr frei praktiziert, sondern verwaltet, bewertet und überwacht. Der Hashtag selbst fungiert als digitales Dispositiv, das Authentizität durch Zertifizierung ersetzt.
Bourdieu (1993) bietet einen weiteren Deutungsrahmen. Innerhalb des kulturellen Feldes markiert Steindor die Position eines Außenseiters, der gleichzeitig Teil des Systems bleibt. Seine Verwendung von Zitaten, Logos und institutionellen Symbolen enthüllt die sozialen Mechanismen, die Kunst in ökonomische und symbolische Strukturen einbinden.
Adornos (1970) Vorstellung der Kunst als „autonomer Sphäre des Widerstands“ wird in Steindors Werk gebrochen. Die Ironie ersetzt die Transzendenz. Kunst ist nicht mehr Fluchtpunkt gesellschaftlicher Kritik, sondern Spiegel ihrer Rationalität.
Byung-Chul Han (2017) liefert schließlich eine aktuelle Diagnose: Die Transparenzgesellschaft entwertet das Geheimnisvolle und das Unvollkommene. Steindors Serienästhetik zeigt diese Tendenz, indem sie das Individuelle in eine visuelle Norm überführt. Kunst wird zum Datensatz, der sich selbst zitiert.
Synthese und Bewertung
Der Zyklus #Kunstzertifikat kann als konsequente Analyse der gegenwärtigen Kunstkommunikation verstanden werden. Steindor reflektiert die Spannung zwischen künstlerischer Autonomie und sozialer Kontrolle, zwischen ästhetischer Erfahrung und administrativer Rationalität.
Als zeitgenössischer Außenseiter nutzt er die Sprache der Institutionen, um ihre Machtstrukturen zu offenbaren. Seine Arbeiten verknüpfen die Ikonografie des Alltags mit der Rhetorik des Gesundheitsschutzes und erzeugen dadurch eine neue Form visueller Kritik.
Die Serie steht exemplarisch für eine Kunst, die sich ihrer eigenen Instrumentalisierung bewusst ist und dennoch weiterproduziert. In der Ironie liegt hier kein Rückzug, sondern eine Strategie der Aufklärung. Steindors Werk dokumentiert eine Epoche, in der Kunst nicht mehr vor Gefahr warnt, sondern selbst zur Gefahr erklärt wird.
Literaturverzeichnis
Adorno, T. W. (1970). Ästhetische Theorie. Frankfurt am Main: Suhrkamp.
Bourdieu, P. (1993). The Field of Cultural Production. New York, NY: Columbia University Press.
Foucault, M. (1977). Surveiller et punir: Naissance de la prison. Paris: Gallimard.
Han, B.-C. (2017). Im Schwarm: Ansichten des Digitalen. Berlin: Matthes & Seitz.
Luhmann, N. (1997). Die Kunst der Gesellschaft. Frankfurt am Main: Suhrkamp.
Steindor, C. (2022). #Kunstzertifikat. Verfügbar unter https://pokemonfury.com
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